Derrida

No hay nada por fuera del texto.

¿Podría existir este disco fuera del espacio y del tiempo?

Ryuichi Sakamoto nació en Tokio hace unas 5 décadas aproximadamente y compuso Derrida en 2003.

(En el fin de semana largo de octubre de 2004 el filósofo argelino-francés Jacques Derrida murió. Recuerdo estar tirado en la arena de Punta Mogotes -bien abrigado- una mañana de ese fin de semana -fin de semana salvaje, despedida de soltero de mi gran amigo, el Tano- leyendo el diario y enterarme de la noticia. Son boludeces que uno guarda en la memoria RAM, ocupando espacio que podría utilizar para cosas más importantes, pero ¿quién sabe?)

Algo destacado de Sakamoto, además de que es un genial compositor de estos tiempos, es que es un batallador incansable en contra de los derechos de propiedad intelectual. Alguien que ve que esa instancia del derecho mundial atrasa unas décadas o, al menos, una revolución: la tecnológica.

El disco es de las cosas más extrañas, queridos lectores, que puedan escuchar en este blog. Pero es, como todo disco de Sakamoto, un cuidado destello de composición musical y que genera el ambiente exacto que el conjunto de la obra necesita.

Todas sus canciones tienen una denominación ordinal. Pero están ubicadas fuera de orden. Es decir, todas las composiciones tienen las iniciales del filósofo y un número de orden, se llaman jd001, jd002, y así sucesivamente. Pero no sucesivamente. Porque la ubicación que tienen dentro del disco es aleatoria (¿aleatoria?) o desordenada (¿desordenada?). Ustedes, inteligentes lectores, sabrán entender qué es lo que estoy tratando de contarles. Y si no, lo imaginarán. O bien, se harán su propia idea. Y esa es la deconstrucción primaria del escucha de este disco derridiano.

Un disco con sonidos híper incidentales, en representación de un filósofo incidental. Que fue pensado como banda de sonido para un documental incidental sobre todo eso. El texto. Todo ahí.

No hay nada por fuera del texto. Todo está en este disco de Ryuichi Sakamoto.

Maridajes

Cuándo: en la postmodernidad

Dónde: en el texto

Cómo: deconstruyendo

Ryuichi Sakamoto - jd015

Caravan

Y el tiempo, sí, siempre el tiempo.

Antes del comienzo de los tiempos, dice la mitología griega, Urano (el cielo) y Gea (la tierra) tuvieron en sus 12 hijos menores a los Titanes, entre los cuales el más joven de ellos era Cronos (el tiempo).

Cronos se casó con su hermana Rea y ambos destronaron a su padre Urano, convirtiéndose en reyes de los dioses. Del vientre de Rea nacieron los Olímpicos. Cronos sabía anticipadamente que iba a ser derrotado por uno de sus hijos, repitiendo la historia que él mismo llevó a la práctica con su padre, es por ello que decidió comerse a cada uno de sus hijos al momento de nacer. Cuenta la historia que el sexto de sus hijos, Zeus (el trueno), dios supremo y rey de dioses y hombres, fue escondido por su madre, entregándole a Cronos una piedra en su lugar que fue devorada por el filívoro Cronos. Al crecer, Zeus abrió el estómago de su padre, dando un nuevo nacimiento a sus hermanos (y a la piedra, figurativamente los mortales), que conjuntamente combatieron y destronaron a su padre. Cronos fue encerrado por la eternidad, dando nacimiento al tiempo, que hoy nos acompaña y nos otorga ese poderoso complejo humano que es la finitud.

Con la derrota de Cronos y la toma del poder total de Zeus, nace el tiempo, y con ellos nace la idea de comienzo y final. Nacen los seres humanos y la finitud. Nacen las complejidades de la mente. Nace el sentido de la vida. Nace el dolor y también la necesidad de vivir para disfrutar. Nace la posibilidad de la experiencia y nace el compromiso con la existencia.

El Kronos Quartet es un cuarteto de cuerdas nacido en los Estados Unidos allá por la década del ’70, que en su carrera ha interpretado y grabado tanto música de cámara contemporánea como versionado variadas músicas populares. En este disco se va de caravana interpretando, entre otras cosas, música popular africana, asiática, portuguesa y americana (como Aníbal Troilo o esta versión que escuchamos aquí abajo de Café Tacuba).

Estimados mortales lectores, bienvenidos a la serie El Tiempo de CTC. Quizás la más trabajosa y dolorosa. Quizás la más sentida y movilizante. Quizás la más esperanzada y optimista.

Maridajes

Cuándo: en el comienzo de los tiempos

Dónde: en un mundo finito

Cómo: naciendo

Kronos Quartet - La muerte chiquita

Funeral

Arcade Fire es una banda colectiva. Y un colectivo es siempre más que la suma de las individualidades. Y es un colectivo musical en cientos de timbres, colores y sabores.

El primer disco de la banda es grabado luego de un período de muertes en el entorno de las individualidades que la componen y es una oda a la muerte. Y resurrección. Es el aprendizaje y la celebración de la muerte, para dar comienzo a una nueva etapa que homenajea al pasado.

La banda fue formada en Montreal, una de las ciudades anglo-franco-parlante de la fría Canadá. Por eso sus canciones son tan franco como anglo, pero además (¿o quizás?) justamente no por eso son canciones que de frío no tienen nada.

Funeral es la celebración del pasado representada en forma de futuro perfecto. Es el festejo de lo que despierta, mucho más que melancolía de lo que quedó dormido.

“En el planeta Arcade Fire se cruzan desde violonchelos y violas hasta ukelele, xilofón, arpa, acordeón, corno, mandolina y algunas excentricidades como la zanfona, instrumento que data del siglo IX y que se utilizaba en la música religiosa medieval. Raritos. Pero no solamente la zanfona hace de Arcade Fire una banda atípica: su núcleo está formado desde hace casi diez años en torno del matrimonio compuesto por los frontman y frontwoman Win Butler y Régine Chassagne” dijo alguna vez Jimenez en una entrevista que les hizo para Página 12.

Su origen montrealino nos impide etiquetarlos como angloparlantes, es mucho más una banda de las otras músicas que de estas convenciones a las que nos acostumbramos tan rápidamente como humanos civilizados y, por ello, dominados que nacimos. Pero Arcade Fire llega para despertarnos.

Maridajes

Cuándo: a la mañana tempranito

Dónde: al pie de la cama, levantándonos

Cómo: a todo volumen, cantando los coros celebratorios y bailando al ritmo de estos extraños y hermosos canadienses

Arcade Fire - Wake up

Ambient 1 - Music for airports

Hablábamos en los comentarios de un post anterior con Pablo de los hoteles y la música para escuchar en hoteles. Toda la vida tiene música y cada tonto lugar también tiene la música adecuada.

Eso es lo que entendió el genial Brian Eno hace tantos pero tantos años.

Además de patentar el concepto de ambient -para, digamos, crear un estilo-, el músico, pensador, productor, cráneo y compositor dijo, estimados, esto que les presento es music for airports.

Eno en 1978 piensa una serie de composiciones y de 4 discos que saldrán en los 4 años sucesivos con diferentes temáticas pero que todos tienen una misma idea: el concepto de músicas ambientes. Casi sin darse cuenta inventaba el estilo ambient que tanta presencia luego tendría sobre el final del siglo, cuando los lugares se hacían más fluidos y de paso, las realidades fragmentarias y relativas y los muros sólidos se desvanecían cayendo junto con la modernidad.

El disco está compuesto casi con un único tema y sus variaciones sobre texturas climáticas que conforman las 4 canciones que de nombre solamente tienen una forma ordinal de denominarlas (1/1, 2/1, 1/2 y 2/2).

Este disco es el primero de la serie y le gusta mucho a Pablo, que ya no anda trabajando y en hoteles sino que anda festejando su cumpleaños y se merece recordar en su día feliz esta creación de Eno.

Maridajes

Cuando: en el final de la modernidad

Dónde: en aeropuertos

Cómo: de modo ambiental

Brian Eno - 2/1

Suite Troileana (+ Suite Lumière)

Ayer se cumplían 90 años del nacimiento, en la balnearia ciudad feliz, de Ástor Piazzolla.

Este post no tiene más que hacer que rendir un homenaje al mayor compositor argentino de todas las épocas, haciendo el esfuerzo para no juzgar su ideología, porque somos amplios y podemos disfrutar de sus creaciones separando la paja del trigo. De la misma manera que hacemos con, por ejemplo, Borges.

De Piazzolla nomás decir que creemos que logró con el tango lo mismo que Jobim con el samba y más o menos lo mismo que hizo Gershwin con el jazz. Eso de pasear rampante entre la delgada línea que separa a esas populares músicas de la música clásica, y poder lograr una conjunción y una empatía en la que parecen confundirse una con la otra (y eso, señores, también es ideología, y ahí sí la compartimos).

La Suite Troileana es - además de un homenaje a la reciente muerte de su maestro como su nombre lo advierte- una maravilla de la expresión de los sentimientos a través del lenguaje musical. La obra se compone de 4 movimientos dedicados a Troilo que los graba con la formación electrónica de su orquesta que por aquellos tiempos llevaba adelante enfrentando todas las críticas del mundo tanguero. Esos movimientos son Bandoneón, Zita, Whisky y Escolaso. Nada más troileano, ningún mejor homenaje.

La edición que alguna vez escuchamos anonadados por su belleza, se completa con otra suite: Lumière. Como negar que los otros 4 movimientos que forman esta obra son el sentimiento expresado en formato musical. No existe forma mejor de hablar de Soledad, Muerte, El amor y La evasión que como lo hace Piazzolla aquí.

Piazzolla con esta suma de suites realiza mejor que nadie nunca jamás eso de hablar de pasiones tan íntimas y tan sentidas como las que aborda en 8 movimientos.

Maridajes

Cuando: cuando estés mal, cuando estés sólo. O cuando estés bien y acompañado. Vos elegís.

Dónde: en la piel

Cómo: sintiendo las pasiones y las emociones más humanamente posibles

Astor Piazzolla - Soledad